たった一点、この「改変」から物語は始まる。

1969年、アポロ11号が月に辿り着く前に、ソ連の宇宙飛行士がそこに立っていた——そんな世界線を舞台に、宇宙開発競争が終わらなかったら歴史はどう変わっていたかを描く、Apple TV+の超弩級SFドラマが「フォー・オール・マンカインド」だ。

終わらない冷戦、黒人宇宙飛行士の登用、女性が月面に立つ日、女性大統領のゲイ発言、そして初の火星着陸を北朝鮮が成し遂げる衝撃——マクロの歴史改変が容赦なく展開される一方、宇宙飛行士たちの夫婦関係、親子の確執、友情と裏切りというミクロの人間ドラマが、同じ重量で描かれる。架空の歴史を使うことで、現実の歴史が「なぜそうなったのか」「何が変わらないのか」を逆照射してくる。これがいい。

各シーズンがほぼ10年ずつ時代を進める構成も秀逸で、シーズンを追うごとに登場人物たちは老いていく。宇宙飛行士だった父親が、やがて子どもたちの選択を黙って見守る側になっていく——時の移ろいが、静かに胸に刺さる。月から火星へ、舞台が宇宙の深部に移るほどにドラマのスケールも増す。セットと映像は一流で、1960～70年代の再現から宇宙船のリアルな描写まで、予算と手間のかかり方が作品にとんでもないリアリティを与えている。

同じApple TV+には「窓際のスパイ」（原題：Slow Horses）という英国諜報機関ものの傑作もある。こちらはゲイリー・オールドマンが演じる問題児スパイたちの群像劇で、地味な出来損ない部署が本流の陰謀に巻き込まれていく展開と緊張感が絶品だ。Apple TV+はNetflixのようにコンテンツの量で勝負するプラットフォームではない。だが作品の知的密度と映像クオリティで言えば、いまストリーミング界でもっともホットだ。

「フォー・オール・マンカインド」は現在シーズン5が配信中。凡百のドラマを蹴散らす傑作が、驚くほど静かに続いている。まだ観ていないなら、今すぐシーズン1の1話目を。親子で観るなら、ぜひ第2シーズンまで。父と子が、それぞれの「宇宙」を生きる姿が知的興奮を呼ぶ。

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中1の頃、父親に連れられて満員の丸の内ピカデリーで観た「Elvis on Stage」。あれが自分にとって最初のエルヴィス体験だった。当時はただ「昔のロックスターの映画を観に行く」くらいの感覚だったのだけれど、スクリーンに現れたエルヴィスは衝撃的だった。

白いジャンプスーツ姿で汗だくになりながら歌い、観客を熱狂させ、一瞬で空気を支配してしまう。歌のうまさ以上に、“スターそのもの”の迫力に圧倒された。あの日から、ロックやソウル、ポップスを夢中で聴くようになり、自分の音楽好きの原点は間違いなくエルヴィスにある。あれから、もう半世紀近い。

そして今回、そのエルヴィスがIMAXの高画質大画面と最高音響で帰ってきた。もうそれだけで感無量だ。しかも本作は、単なるライブ映像集ではない。バズ・ラーマンらしいダイナミックな編集で、エルヴィス本人の肉声ナレーションを軸に、幼少期やプライベート映像、過去の記録映像を織り込みながら、ラスベガスの巨大ステージへと至る人生を描いていく。この“本人が人生を語る”構成がとにかく貴重で、バズ・ラーマン前作の映画「エルヴィス」をさらにドキュメンタリーとして深化させたような印象だった。

さらに驚かされたのは映像素材だ。ファンなら何度も観てきた有名シーンだけでなく、「まだこんな映像が残っていたのか！」と思う50時間に及ぶ未公開フィルム（！）から選りすぐりのパフォーマンスが４Kでリファインされ次々に飛び出す。エルヴィスが笑う一瞬の表情や、客席とのやりとり、身体の動きまでが生々しく迫ってきて、まるで現在の映像そのものだった。

そして何より凄かったのが音響。これが本当に素晴らしい。ヴォーカルはもちろん、ザ・スウィート・インスピレーションズのコーラス、ジェイムズ・バートンらギター陣、重厚なオーケストラまで、それぞれがくっきりと分離して響いてくる。特に後半、ゴスペル色が強くなってからの畳みかけは圧巻で、完全に鳥肌ものだった。

エルヴィスのライブは単なるロックショーではなく、ゴスペル、R&B、カントリー、エンターテインメント全部を飲み込んだ巨大な音楽体験だったのだと改めて思う。

IMAX上映は終わってしまうけれど、通常上映でももう一度観たいと思っている。半世紀前、中1の自分を音楽の世界に引きずり込んだエルヴィスは、やっぱり今でも特別な存在だった。

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３章から始まる物語の冒頭、世界は終わりに向かっている。地震、津波、森林火災——次々と襲いくる災害の中、街に謎の広告が現れる。「ありがとう、チャック」。誰も知らない男への、突然の感謝。

なんだこれは？　てっきり地球規模のパニック映画かと思っていた。ところがこの映画は、静かに反転する。２章から１章とカウントダウンしながら、チャックの青春期が描かれ、物語は謎を解いていく。

「世界の終わり」は実は、ひとりの人間の人生の終わりだったのだ。チャックという普通の男の39年間の思い出——その小宇宙が、滅びゆく地球と等価なのだと気付かされる。

これは誰にでも確実に訪れる普遍的なことだ。そして、胸に刺さるのは、「できた夢」ではなく「できなかった夢」が描かれているところだ。誰の人生にもある、気づかないまま手放してしまったもの。この映画はそれを、責めるでも慰めるでもなく、ただ静かに差し出してくる。その切なさに、不意をつかれる。

登場人物たちも、一見無関係に見えて、実は細い糸で繋がっている。人生とはそういうものだ、と映画はさりげなく語る。マーク・ハミルの老いた姿がスクリーンに現れた瞬間、その「歳月」はフィクションを超えて観客自身の時間と重なったのだ。

80歳になろうとしている作家が、まだまだこれほどの創造性を持ち続けていることに驚愕した。

「面白かった！」と即答できない。でもそれがこの映画の深さの証明だと思う。キング原作の人間ドラマ系譜の中でも、忘れがたい一本になった。

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本作の主人公は、大学生のメイベル。 彼女がビーバーになることを選んだのは、環境活動家としての使命感からでも、動物愛護の理念からでもない。もっと個人的で、もっと切実な理由から——大好きなおばあちゃんと過ごした大切な思い出の森が、高速道路の建設計画で消えてしまうことを知ったからだ。

ここが肝心なところだ。この映画の動力源は「自然保護」という抽象的な大義ではなく、祖母との記憶という、ひどく具体的で小さな愛情である。おそらく誰もが持っているはずの——あの場所、あの匂い、あの人の声——そういうものへの郷愁が、一人の若者をビーバーロボットの中に放り込む。発端がこれほど人間的であることが、本作の品位を決定づけている。

動物が大好きなメイベルは、科学者たちが発明した人間の意識を動物ロボットに転送させる装置を使い、ビーバー型のロボットに意識を「ホップ」した。動物たちと交流したメイベルは喜びを爆発させるが、シビアな自然の掟を目の当たりにする。 動物の世界は「もふもふ」の外見とは裏腹に、食うか食われるかの容赦ない論理で動いている。メイベルが森に抱いていたロマンチックなイメージは、早々に現実の牙に噛み砕かれる。

しかしそこで本作はもう一段、踏み込んでくる。「自分が正しい」と一方的に思い込むのはよくない——主人公もまた動物たちのことを全く理解していなかったと気づき、後悔と失敗を繰り返しながら同じ目線の関係性を構築していこうとする。その姿には学びと成長がある。 森を守るためなら何でもしていい、という思い込みがいかに危険かを、メイベルは身をもって知る。

監督のダニエル・チョンはスタジオジブリの高畑勲監督『平成狸合戦ぽんぽこ』（懐かし～！）からインスピレーションを受けたと語っている。その影響はたしかだ。人間と自然の軋轢を正面から描きながらも、どちらかを一方的な悪として裁断しない——その複雑さへの誠実さが、作品に奥行きを与えている。

おばあちゃんとの記憶は、映画の出発点でありながら、実は到達点でもある。人は大切な場所を守ろうとするとき、いつの間にかその場所が象徴していた「関係性」そのものを守ろうとしていることに気づく。メイベルが最終的に学ぶのは、森の保護の方法論ではなく、相手を理解しようとすることの根気強さだ。それはおそらく、おばあちゃんから受け継いだものでもあるだろう。

複数の批評家がピクサーにとっての「原点回帰」と評した本作。笑いと冒険の皮を借りながら、その核心には、誰かへの愛から始まる小さな行動が世界をどう変えうるかという、古くて新しい問いが静かに宿っている。ピクサーの面目躍如と言えるだろう。

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40年近くアカデミー賞をウォッチしてきた身からすると、まさに奇跡とも呼べる快挙だ。

なにしろ92年のアジア映画、どころか外国語で上映された作品で「作品賞」を取った作品はなかったのだ。潮目が変わった、と決算報告で言ったのは孫正義だが、ハリウッドでもしかりだ。

たしかに2003年の「オールドボーイ」以降、人間を描く力、リアリティ、物語性などの質の高さには注目していたが、その韓国ニューウエイブの中心人物ポン・ジュノがハリウッドでも高い評価を獲得したことを喜びたい。今後は全米未公開だった名作・韓国映画が次々に公開されることだろう。

じつは、今回書きたかったことはこの事ではない。

貧困をテーマにした作品についてだ。映画では大昔から「貧困」は描かれている。例えば戦後不況はイタリアン・ネオレアリズモの傑作を生んだ。

しかし今回選んだ作品群、「フロリダ・プロジェクト」「万引き家族」「パラサイト」は明らかにその時代に描かれたものと違う。それは貧困のみならず、格差＝貧富の差が描かれている点だ。

まさに光と影。そしてその格差が年々激しくなっているように感じられる。簡単に言えば新自由主義に行き着く果て、といったところだがこの状況が文学ではなく、映像として昇華されている点が興味深い。

「フロリダ・プロジェクト」ではフロリダディズニーランド近隣のモーテルで暮らす人々を子供達の目線で捉え、悲惨な現状をファンタジー的空間として描いた。しかし大人目線で見えるのは、賃貸の物件を借りることができずに、モーテルを週単位で借りざるおえない悲惨な状況だ。

ディズニー行楽客を見込んで作られたであろうパステルカラーのモーテル群だが、ディズニー客はそんなプアなモーテルには止まらず素通りしていく。そこに泊まるのは最下層の人々だ。まさに光と影。みごとに格差が視覚化されている。

同様に「パラサイト」も丘の上、半地下そして地下と格差をとても見事に視覚化している。

そしてさらに感じたのは、どの作品も家族の存在もテーマになっているということだ。「万引き家族」はタイトルにもろ家族が入ってるし。

そして家族は共闘して外部の貧困と対峙する。

けっして貧困を生んだ原因である親を責める事なく、親を支え家族として結託している。

それは「フロリダ・プロジェクト」しかり「パラサイト」しかりである。

それはまるで、アメリカ国旗の下、イラン・フセインを倒すために一体化したアメリカ人の姿のように、外敵を倒すためなら一体化するのである。

つまり「パラサイト」の貧困は身から出た錆ではなく、あくまでも外部から急襲した「悪」なのである。その構図だからエンターテイメントとしても成立できたのだろう。

そして、貧困の根本、その先にある社会のシステムに目をむけて、少しでもアクションできたら、もしかして世界は変わるかも、と映画は示唆してくれている。

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このところ見た映画としては「アベンジャーズ/エンドゲーム」「スパイダーマン：スパイダーバース」「ゴジラ　キング・オブ・モンスターズ」とそれなりの話題作はおさえていたのだが、親子というテーマで書くにいたらず、見送っていた。「ゴジラ」はある種、親子映画でもあったが、あまりの不自然なドラマ部分に呆れすぎて筆をとるきがしなかったのだ。

そんな中、友人の映像監督が「もうシビれた〜」と興奮気味で教えてくれたのが本作「海獣の子供」。これは見逃してはならぬとさっそく劇場に足を運んだ。

第38回日本漫画家協会賞優秀賞、第13回文化庁メディア芸術祭マンガ部門優秀賞に輝いた五十嵐大介による同名の漫画作品を、「マインド・ゲーム」（2004年）、「鉄コン筋クリート」（2006年）など、異色の映像美で多くの作品を手がけてきた「STUDIO4℃」によって製作された劇場長編作品だ。

ストーリーは他人とうまく接することができない中学生の少女・琉花が、ジュゴンに育てられた不思議な2人の少年、“海”“空”と出会って新たな発見をするというファンタジーだ。

平日朝9時前の劇場は7割くらいの入り。しかしこの時間としたら上出来の入りではないだろうか。

まず圧倒されるのは、そのアニメーションのクオリティの高さだ。朝の空気、初夏の太陽、夏草の匂い、そして、昆虫。そんな記憶の中に眠っている感覚が次々と呼び覚まされてくる。主人公が学校からこちらにむかって駆けてくる長いワンシーンは、今までのアニメーションで見たことのなかったシーンだ。

このような瑞瑞しい表現とともに、母親が飲み干したビールの缶がゴミ箱の中から溢れているという描写もある。つまり彼女はけっして単純にハッピーなのではなくどこか病んだ母親と暮らしているのだ。また学校ではクラブ活動で仲間に怪我を負わせてしまい、挙げ句の果てに先生からクラブに来なくていいと言い渡されてしまう

初夏の美しさと対照的に鬱な展開である。ここで主人公最初の試練が見えてくる。

そして、公私ともに上手くいかない彼女が向かったのは、別居している父親が働いている水族館だ。彼女は父に身を寄せようとしたが、果たしてそこで彼女を待っていたのは、ジュゴンによって育てられた少年“海”である。そして、その後“空”とも出会っていく。

ここから物語は、2人にリードされた主人公が大自然の神秘のど真ん中に放り込まれていく展開にある。

ネタバレなので詳細は書かないが、なにしろ怒涛の展開だ。

宇宙の構造、命の螺旋、海と魚と人間、そういう散文的な形而上イメージが、美麗なアニメーションのめくるめく映像によって語られていく。

これはあの「2001年宇宙の旅」のスターゲートのイメージのようでもあり、コヤニスカッティ的でもあり、つまり　人間とは何か宇宙とは何か、我々はどこから来てどこに行くのか、といった根源的な問いを映像にしてくれている。無言だがとても能弁なシーンである。

物語は、主人公が欠落したものを回収したところで終わるのだが、壮大な宇宙とあたりまえの日常の対比が鮮やかである。ぼくらは宇宙を内包して淡々と暮らすのである。

●映画「ドラえもん」や「宇宙兄弟」などを手がけてきた渡辺歩が監督を務め、音楽を久石譲が担当。声の出演は芦田愛菜、ピクサーアニメ「リメンバー・ミー」の吹き替えを務めた石橋陽彩ら。

The post 瑞瑞しい感覚を思い出させる映像と 生命の神秘を表現する壮大な映像が ハーモニーを生む新鮮な映画体験！ appeared first on 「親子の日」Oyako Day.

その話を聞いた時、一体果たしてそんなことが可能なのだろうかと、興味津々で鑑賞に臨んだが、

あっという間に話に巻き込まれてしまった。

話が圧倒的に面白いのだ。たんなる実験的な試みではない、その高いドラマ性に引き込まれた。

たしかに現代はPC画面上で多様なことを行なっている時代だ。

だから、その画面に映っている要素だけで物語を構成することが可能なのだ。

例えばPCに残されている過去の映像たち。

FaceTimeで通話すれば相手の顔と自分の顔がリアルタイムで表示されている。

またリアルタイムな会話ならメッセンジャーで表示できる。

SMSではリアルタイムの会話が表示される。

そしてFacebookで相手の友人関係を盗みすることもできる。

FaceTime、Facebook、Gmail、Twitter、Instagram、TumblrこのようなSNSを

マルチ画面で見せながら展開させていく。

つまり本作は、現代人が日常的に使っているガジェット空間を映画空間に反映させて、

その日常性の中から事件の真相を浮かび上がらせていく緊迫感を描いていくサスペンスだ。

物語は、ある日突然姿を消した高校生の娘を父親が必死に探し出そうとするところから始まる。

警察と協力しながらも、父親は娘の昨日までの手がかりをたぐりよせて娘の行動をさぐっていく。

娘のPCを開きFacebookの投稿を調べてみたり、Twitterでの会話記録を調べたり。

通常ならNGな行為なのだが、失踪した娘を探し出したいという、

父親の真摯な行動はモラルの壁を破って、観客の同情をひきだしていく。

高校生という難しい年頃、そしてけっして円満とは言えなかった2人の現状。

そしてだんだんと父親の知らなかった彼女の実像が垣間見えてくる。

子供をもつ親なら誰でも経験するであろう、子供との意思の疎通の難しさなどが

大事な要素としてミステリとしてドラマに絡んでくる。

また、これが上手いところだが、過去の2人仲良くて、可愛かった子供時代の映像も

PCに残っているので、父親はそれを再生する。

取り返すことのできない時間を。つまり過去、現在と時間を飛び越えて関係性が強調されるのだ。

ストーリー展開は、伏線の回収の連続と犯人解明までの展開も秀逸なのだが、

親子関係の修復というサブ・プロットまでみごとに決着つける手腕の唸らされた。

ネタバレで書けない事がそうとう多いですが、新鮮でみごとな語り口であることは間違いない。

ミステリと親子映画を両立させた、創作の意欲あふれる秀作です。

関智

ウィキペディア　https://ja.m.wikipedia.org/wiki/関智

The post 全編すべてPC画面で表現される「search」は、そのトリッキーな取り組みも楽しいが、それ以上に謎解きの見事さやドラマの完成度の高さで観客の目を釘付けにする。 appeared first on 「親子の日」Oyako Day.

いやあ、めちゃくちゃ面白かった。

紹介文はこうだ。

人生はサプライズの連続。これはあなたの物語です。 誕生日が同じ36歳の男女3人。自分が演じる役に嫌気がさしているイケメン俳優、“脱肥満”を目標に努力する女性、幸せな家庭を築いているエリートビジネスマン。 置かれている状況も性格もまったく異なる彼らには、同じ誕生日以外にも共通点があった…。人生の壁を乗り越えようとする中で、それぞれが大切なものを失い、そして見つけ、3人の運命の糸が次第にたぐりよせられ・・・・・・。

あらすじを見ると、いかにもなヒューマンドラマのようであるが、しかし本作の魅力は、その家族たちのエピソードが時間軸と空間を飛び越えて、多角的に語られていく構成にある。

たしかに物語はとりたてて派手な要素は無いのだが、じっくりと人間に向かい合って、家族の絆、夫婦の確執、親子の愛情などを丁寧に描いていく。そして誰にとっても、このドラマは「THIS IS US」といえる説得力がすごいのだ。

最初はさりげなくおかれた伏線が、静かな感動となって回収されていくシナリオは、おもわず唸ってしまうほどの手腕だし、対照的には配置されるキャラクター像もリアリティをもって描かれていく。

人生に行き詰まったり、思い悩んだ時、そっと肩を押してくれるようなドラマ、それが本作の魅力なのだ。

The post 全米が熱狂した「THIS IS US 36歳、これから」は、家族の意味を卓越した構成力で表現した傑作ドラマである。 appeared first on 「親子の日」Oyako Day.

SNSなど口コミでその面白さが喧伝され、

ついに全国40館以上で拡大公開されることになった。

この映画に感激した私にとっても嬉しいニュースである。

ネット社会の功罪が問われている現在だが、このようなケースがありえることは喜ばしい。

内容は、このタイトルが示すように、「ハン・ソロ」の100倍面白い。

「ハン・ソロ」の予算が2億5000万ドルというから、ざっと277億円！

それに対して「カメラを止めるな」の予算は300万円というから驚愕する。

予算規模は9238分の1！

300万円では「ハン・ソロ」を、なんと1秒も撮れないのだ。すごいでしょ。

というと、低予算だから判官贔屓で応援してるのでは、と思われそうだが、ぜんぜん違う。

この「カメラを止めるな」は作品として1級品のエンタメになっている。

まあ予算のことは驚きだが、応援団はそのことに関係なく

この作品自体の魅力を伝えたいと思っているのだ。

映画監督・俳優養成スクール「ENBUゼミナール」のプロジェクトで制作された。

監督の上田慎一郎はじめキャストも全員無名である。しかし、無名とあなどるなかれ、

こんな人たちがいたんだと感慨を抱くこと必至である。

そこで内容だが……、残念ながら、それは言えないのである。

内容・構成に、本作のサプライズが含まれているので、できれば内容を知らないで見て欲しい。

できればジャンルもしらずに観て欲しい。

あまたいる応援団は、勧めるために話したいけど話せないという強烈なジレンマに陥っている（笑）。

確実に言えることは、観て決して後悔しない、上質のエンターテイメントであるということ。

それとこのページで紹介する意味がある、立派な「親子映画」なのである。

あああ、早く観てこの感動を共有して欲しい。

上映後、場内は観客の拍手に包まれる。こんな映画体験はめったにないよ。

新しい才能をもった監督の誕生に拍手を！

カメラを止めるな公式サイト　http://kametome.net/index.html

The post 　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　　映画「ハン・ソロ」の9238分の1の予算で作った自主製作映画「カメラを止めるな」が「ハン・ソロ」より100倍も面白いので、やはりアイデアはホントに大事なんだな、と痛感している夏 appeared first on 「親子の日」Oyako Day.

なぜ驚きかというと「イカロス」はストリーミング配信のみで劇場公開はしていないのだ。劇場公開されていない作品が受賞したのだ。

そんな乗りに乗っているNetflixは時価総額でディズニーを抜こうとしていというからさらに驚きだ。

さて、今回紹介する映画「さよならコダクローム」も、Netflixのオリジナル作品。もちろんストリーミングのみで劇場公開されていない。

劇場公開されないというと、昔ならしょぼい映画B級映画のことだったが、今やまったく違う。本作もベテラン俳優エド・ハリス、エリザベス・オルセンakaアベンジャーズなどハリウッドで活躍している俳優陣が出演している。
落ち目の音楽プロデューサーの男マット（ジェイソン・サダイキス）が、末期ガンを宣言され余命いくばくもない父親ベン（エド・ハリス）と、その介護師の女性ゾーイ（エリザベス・オルセン）の３人で、閉鎖まであと1周間に迫ったカンザスのコダクロームの現像所までクルマで目指すというストーリーだ。

父親は著名な写真家だが、その唯我独尊な性格で息子とは不仲で10年以上口をきいていない。父親の現像しそこねた古いコダクロームを現像にでかける旅を最初は断る息子だが、有名バンドとの会合を約束されて、自身のプロデューサー人生の再出発を期待して、いやいや旅に出かけていく。現像所は閉所まで後1週間。3人は無事たどり着くのか？

いわゆるロード・ムービーだ。アメリカの豊かな自然や郊外の街を観光的に見ているだけでも楽しいが、いちばんの見所は頑固親父で末期がん患者を演じ切っているエド・ハリスだ。

「アビス」のヒーローがもう末期ガン役かと思うと、時の流れの早さに驚くが、コダクロームの終焉という事実を基に作られた本作は、エド・ハリスの老境ぶりとアナログにこだわる信念が見事にシンクロして切実なメッセージとなって観るものに訴えかける。

デジタルを信じない父親は、中年息子のiPhoneを窓から捨ててしまう。

曰く「データなんてものは実態がない。しょせんクズだ」と。
ぼく自身も、編集者のキャリアは活版印刷から始まっている。いまでは名刺ですら使われることのない活版印刷。たしかに便利にはなった。なったが何か無くしたものがあるような気がしてならない。

そんな感傷には、この頑固親父の言葉が沁みてくる。
そして、現像所を目指すという旅の目的がメインプロットとすると、頑固親父と落ち目の息子の親子関係の再生。看護師と息子と恋。というサブプロットが用意されている。

もちろん、こういう話はいままでになかった訳ではない。むしろドラマの王道といってもいい構成かもしれない。

しかし本作の魅力は、無くなるものと無くしてはいけないもの、そして生まれるもの、という対立的な構造を定番的な心温まるストーリーで包み込んでいるところだろう。

対立的な構造を生んでいるのは、仕事対自分かも知れないし、親対自分かもしれないし異性対自分かもしれない。
ただし、その先には必ず光はさすんだ、という優しくて力強いメッセージが心地よい。

特に、頑固親父のベンと息子のマットがカンザスへの旅を通して、心を通わせていくシーンは心に残る。コダクロームの終焉とカメラマンのマットの人生を重ねあわせ、親の人生をようやく息子が理解し肯定してゆく。

親子だからこそ許せなかった憎しみと再生。だれもが身に覚えのある感情だろう。再生する親子映画の見本としてぜひとも見ていただきたい作品である。

なお、本作がデジタル配信のみという点も、この作品ががもっている矛盾を皮肉っているようで面白い。

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